Ricami

Il ricamo, arte di decorare con ago e filo le superfici dei tessuti di stoffa, nel medioevo aveva stretti legami anche con altre importanti forme d’arte come i manoscritti e gli arazzi. Vi sono dei frequenti esempi di prestito di motivi e disegni tra i vari professionisti. Queste decorazioni vengono solitamente chiamate motivi. Essendo un qualcosa di opzionale, viene eseguito dopo che l’intero processo di tessitura, tintura e finitura è stato completato. Questa definizione distingue perciò l’arte del ricamo e quella della tessitura, poiché il primo avviene in un momento successivo, quando il panno che sia esso di lino, cotone, lana, seta o velluto elegante è già stato sottoposto alla tessitura. Spesso il ricamo viene confuso con la tessitura poiché il termine tapetum in latino potrebbe significare sia tappeto che qualcosa appeso a parete. Un altro termine che si riferisce al ricamo è broidura, in uso a partire dalla prima metà del XIII secolo. Lo sviluppo del ricamo dal XII al XV secolo fu segnato dalla crescente eleganza e ricchezza dell’arte. Tanti ricami erano lavorati su tessuti sempre più eleganti, come il damasco e il velluto, ed erano spesso adornati con oro e argento massiccio e fili d’oro e d’argento. C’era anche un maggiore uso di pietre preziose e semipreziose, soprattutto perle, per arricchire l’opera. Come scrive Labarge, i ricami più fini tendevano ad essere realizzati in laboratori specializzati, poiché la loro creazione poteva essere richiesta dalle crescenti richieste reali. Nel 1246 Innocenzo IV fu molto colpito dai bellissimi e ricchi ricami sulle vesti degli ecclesiastici inglesi che apparivano alla sua corte. Questi ricami, noti come opus anglicanum, hanno come particolarità l’abbondanza dell’uso di oro e filo d’oro e il fatto che il filo veniva tirato e fissato sul lato inferiore del tessuto. L’importanza del ricamo come parte preziosa dell’attività commerciale londinese nel XIII secolo è ben illustrata dalla carriera estremamente redditizia di Adam de Basing, uno dei più importanti mercanti reali a Londra negli anni dal 1238 al 1260. La sua ricchezza si basava in misura considerevole sulle sue vendite di ricchi tessuti e paramenti ricamati alla casa reale. A questo punto, sottolinea Labarge il ricamo era diventato anche una forma riconosciuta di lavoro ben retribuito, grazie al quale un numero crescente di persone si guadagnava da vivere, sia in laboratori di gruppo che individualmente facendo lavori a cottimo (il compenso che percepiscono è commisurato alla quantità di lavoro prodotto, non dalla durata di svolgimento). I documenti del XIV secolo suggeriscono una domanda sempre crescente da parte delle corti, della nobiltà e degli eccleastici per ricami sempre più spettacolari e costosi. Ottawa ebbe la fortuna di avere diversi esempi di ricamo secolare del XIV secolo esposti nella mostra del Art and the Courts del 1972, tra cui uno straordinario esempio di questo tipo di lavoro, noto come Piviale della Passione, mentre tra i tesori secolari italiani esposti c’era il Piviale del Vaticano, il Piviale di Bologna e il Piviale di Pienza. (vedi voci esempi opus anglicanum) In Italia, l’arte del ricamo viene introdotta intorno all’anno Mille dai Saraceni, che dopo la conquista della Sicilia fondano il thiraz, laboratorio di tessitura e ricamo, in cui si confezionavano gli abiti e i parametri del sultano e della sua corte. Il verbo ricamare deriva dall’arabo raqama o raqqama. Il thiraz continuò la sua attività anche dopo la conquista normanna. Dalla Sicilia le tecniche arabe si diffusero per tutta la penisola e di qui al resto d’Europa, ogni zona elaborò un proprio stile, influenzato dal gusto e dalla disponibilità del materiale locale.

Tecniche

Ogni punto incrocia due, quattro o sei fili, a seconda della lunghezza. La maggior parte dei punti di sutura tendono ad essere di lunghezza 4. Ogni punto è compensato verso l’alto o verso il basso da quello prima di esso da uno dei due fili (satin stitch, punto raso) o da due fili (brick stitch, punto mattone) a seconda del tipo di disegno da ricamare. Nella tecnica del brick stitch, inoltre, ogni punto è raddoppiato, cioè il filo passa due volte attraverso il tessuto. Ci sono diversi metodi di ricamo. Nel primo, il filo è avvolto avanti e indietro sulla parte anteriore del tessuto e poco filo rimane sul retro. È un metodo vantaggioso perché si risparmia filo, quantomeno, quello che basta per coprire un’altra area. Tuttavia, questa tecnica non è così coprente. Nella seconda, il filo passa avanti e indietro sia davanti che dietro il tessuto. Questo metodo permette una cucitura più facile e regolare, al costo di usare più filo. Nell’ultima tecnica, il filo da ricamo viene lavorato come nel metodo precedente, in questo caso però, la parte posteriore è coperta con punti più lunghi rispetto alla parte anteriore. Questo vuol dire che utilizza più materiale, perciò fornisce un pezzo finito più spesso e più pesante. Riguardo al disegno, esso veniva leggermente tracciato col carboncino solitamente sul tessuto superiore oppure su carta da spolvero o disegno, appoggiata sul tessuto e tolta poi man mano che la lavorazione veniva eseguita, le linee definitive venivano ripassate a pennellino intinto nell’inchiostro e il carbone veniva spazzolato via, con la tecnica dello spolvero. In altri casi l’artista vendeva al ricamatore i disegni su carta e gli forniva anche dei cartoni colorati. Il filato utilizzato per il ricamo era una specie di cordonetto di seta per i tessuti di seta, come ancora oggi usano le trapuntaie fiorentine, e fili di cotone e di lino per le tecniche più antiche, come nel caso della Coperta di Usella e di quella del Victoria and Albert Museum di Londra, gemella di questa.

L’Arazzo di Bayeux

Esito della cucitura di nove drappi di lunghezza diversa, da due metri e mezzo fino a quasi quattordici metri, l’arazzo di Bayeux è un’opera di dimensioni enormi, sessanta otto metri di lunghezza e cinquanta centimetri di altezza. Per produrre i disegni sulla tela, sono stati usati fili di lana a dieci colori. La rappresentazione è molto ampia e comprende 627 persone (di cui solo 3 donne), 33 edifici, 32 navi e 738 animali. Nonostante le grosse dimensioni dell’opera, è stata prodotta per essere osservata da vicino poiché la dimensione delle singole figure e delle didascalie fa sì che solo uno spettatore molto vicino alla tela possa seguirne la narrazione. Le figure, ricamate in filo di lana, spiccano su un fondo neutro, del tutto privo di decorazioni in oro, seta o pietre preziose, come era invece probabilmente prassi per i ricami contemporanei. Il ricamo narra la conquista del regno inglese da parte del duca Guglielmo di Normandia nell’autunno del 1066, con la sconfitta e la morte del re Harold nella battaglia di Hastings, il 14 ottobre. Questi numerosissimi studi hanno permesso di delineare con sicurezza alcuni dati fondamentali: il ricamo fu prodotto nell’abbazia di Saint Augustine di Canterbury non molti anni dopo gli eventi, probabilmente in base a una committenza di Oddone vescovo di Bayeux e fratellastro del duca Guglielmo, non tanto per celebrare le imprese del duca, ma piuttosto per affermare la legittimità del dominio normanno sull’Inghilterra, contemperata però dall’onore reso all’ultimo re anglosassone, Harold. Non sappiamo invece quale dovesse essere la collocazione originaria del ricamo: non solo il luogo specifico in cui fu esposto, ma neppure il tipo di edificio a cui era destinato (cattedrale, monastero, palazzo nobiliare).

La Coperta di Usella e Guicciardini

La coperta di Usella e Guicciardini del XIV secolo, apparteneva al conte Ferdinando Guicciardini e la moglie, la contessa Maddalena, la ritrovò nella villa di Usella, a Prato, nel 1890. La misura è di 2,05×246 metri ed è composta da sei teli longitudinali sovrapposti e uniti tra di loro in modo tale da formare corpi ricamati e poi imbottiti. L’opera è stata eseguita con filato di lino, marrone scuro, nocciola e beige, mentre il fondo con filato di lino bianco. I soggetti rappresentati sono impaginati in scene e formelle accompagnate da scritte in dialetto siciliano a caratteri gotici; questi narrano una delle probabili versioni riscritte e tramandateci dall’antico retaggio celtico diffusosi dal Nord al Centro Italia, sui miti letterari epico-cavallereschi e in modo particolare sul poema di Tristano e Isotta. L’opera racconta sei scene, due rappresentate nelle formelle centrali riquadrate dalla cornice decorata da un motivo a quadrifogli, le altre tre che decorano il bordo sinistro e l’ultima il bordo inferiore; queste ultime non sono riquadrate. Tutti i particolari vengono definiti con molta libertà nello spazio geometrico a disposizione, mentre pochi elementi naturalistici alludono al luogo in cui avvengono i fatti. La triplice direzione delle scene e delle scritte mette in evidenza che la coperta o quilt, termine con cui è stata tecnicamente classificata quest’opera dalla sezione dei tessili medievali al Victoria and Albert Museum, era destinata forse a essere posta sopra un piano, questo potrebbe spiegare il verso delle scene nei bordi.

Esempi di Opus Anglicanum

Piviale del Vaticano
Il piviale del Vaticano della fine del XIII secolo fu ricamato con filo d’argento dorato e argento e sete colorate. Contiene varie scene e figure: al centro, il frontespizio mostra, dal basso verso l’alto, la Vergine in trono col Bambino, la Crocifissione e l’Incoronazione della Vergine; le stelle sulle parti laterali contengono apostoli e santi martiri; e le aree tra i pannelli sono occupate da serafini a sei ali in piedi su delle ruote. Nella scena della crocifissione sia la croce che la corona di spine che adornano la testa di Cristo sono ricamate in verde, sottolineando il rapporto tra la crocifissione, la croce vivente e l’Albero della Vita. Questo motivo, particolarmente adatto per ricami usati nel contesto dell’Eucaristia, sarebbe diventato standard per il ricamo opus anglicanum negli anni a venire, così come il modo di raffigurare l’Incoronazione della Vergine o Cristo che benedice una Vergine già incoronata.

Piviale della Passione
Apparteneva a Clemente V, il papa trecentesco che era stato arcivescovo di Bordeaux, allora sotto il dominio inglese. È stato conservato nella cattedrale della città natale di Clemente, Saint-Bertrand de Comminges, in Guascogna. Oltre ad essere un superbo esempio di opus anglicanum, è anche affascinante per il suo suggerimento di possibili relazioni del ricamo con altre forme d’arte correnti, poiché ci sono dettagli che riecheggiano sia il lavoro corrente in avorio che le miniature dei manoscritti. La descrizione tradotta dal francese è concisa: “Su uno sfondo bianco, tra uno sfondo vegetale e uno zoomorfo, i Medallion contengono 18 figure di profeti e 17 scene della Passione.” Labarge descrive come l’intero schema iconografico sia complesso e accuratamente elaborato. Forse la cosa più interessante è il suo ampio uso del bestiario e un numero particolarmente elevato di uccelli studiati attentamente. Sul piviale compaiono una ventina di specie che vanno dal cigno al pavone al picchio comune, al piccione e all’uccello. Sembra che le ricamatrici o il disegnatore abbiano copiato gli uccelli da un quaderno di modelli, forse il quaderno medievale ora nella biblioteca del Magdalene College di Cambridge. Questo taccuino con i disegni di diverse specie di uccelli mostra la stessa cura per l’esattezza dei trattati contemporanei sulla falconeria, e la sua influenza può essere rintracciata anche negli uccelli raffigurati nei manoscritti coevi.

Piviale di Bologna
Il piviale di Bologna dell’inizio del XIV secolo fu ricamato con filo d’argento dorato e d’argento e sete colorate nella parte inferiore. La base di lino del piviale è completamente coperta con ricamo. Il design consiste in due bande concentriche di arcate gotiche, che ospitano una sequenza di scene narrative. La fascia inferiore contiene storie dell’infanzia di Cristo, seguite dal martirio di San Tommaso Becket; tutte le scene sono incorniciate da archi di cinquefoil, e nei pennacchi ci sono angeli musicisti che suonano diversi strumenti. La fascia superiore contiene scene della Passione, seguite da apparizioni di Cristo risorto. Qui le storie sono sistemate sotto gli archi trifogliati, e i pennacchi contengono angeli che tengono corone e altri oggetti. Sopra ogni arcata, una stretta fascia decorativa contiene le teste dei santi maschi; al centro della fascia superiore si trovano i tratti distintivi di San Pietro e San Paolo, che incorniciano una rappresentazione insolita del Volto Santo. Quasi tutti i santi sono disposti in coppie, conversando tra loro, e sono racchiusi in cornici di stelle a otto punte, una forma che si trova anche sul piviale di Vaticano. Questi sono circondati da palmette stilizzate e coppie di uccelli. Il ricamo è completato da due angeli che si alzano nello scomparto superiore del piviale; essi inquadrano l’area in cui il piviale, ora mancante, sarebbe stata. A parte l’armatura d’argento dei soldati e alcuni dettagli decorativi, la maggior parte delle immagini è lavorata con sete colorate; il filo d’oro nella parte inferiore è utilizzato principalmente per fornire uno sfondo d’oro scintillante. Questo piviale è uno dei primi esempi sopravvissuti di un tentativo di accostamento della disposizione delle scene sulla superficie del paramento di forma semicircolare. In contrasto con i disegni che utilizzano la cornice geometrica per adattarsi alle immagini, questo layout evita la necessità di tagliare scene o figure. Forse a causa dell’attenzione alle scene narrative, la parte posteriore del frontespizio non ha un’enfasi verticale, sebbene la scena della Crocifissione sia ancora in un punto centrale.

Piviale di Pienza
Il piviale di Pienza dell’inizio del XIV secolo, ricamato con filo d’argento dorato e argento e sete colorate e probabilmente l’esempio meglio conservato di opus anglicanum, è disposto in tre livelli principali di scene, ciascuna sotto un arco gotico che emerge da colonne foliate intrecciate. Nel registro più basso si trovano storie di santa Margherita d’Antiochia e di santa Caterina d’Alessandria, mentre i due registri superiori sono dedicati a scene della vita della Vergine. Tra di loro, in cornici a forma di cuore, sopra il registro più basso, ci sono gli apostoli che portano pergamene con passaggi dal Credo e, sopra il registro centrale, mezze figure di profeti e re, alcuni dei quali antenati di Cristo. Nella parte superiore del piviale si trovano due angeli, con il piviale tra di loro, a sua volta raffigurante due angeli coronati. Dettagli del disegno sono stati originariamente coperti con perle, le quali non sono state conservate; il filo di lino bianco utilizzato per fissarle, infatti, è l’unica traccia sopravvissuta. Il piviale conserva anche il suo originale stolone, sul quale vengono raffigurati animali e piante, e il bordo esterno, sul quale sono raffigurati animali stilizzati in una cornice intricata.

Esempi di tecnica Brick Stitch

Piviale di Hildesheim
Il piviale di Hildesheim dell’inizio del XVI secolo e originario della Germania, fu ricamato con fili di seta colorati e filo d’argento dorato. Ha una forma semicircolare e la scena raffigurata è il martirio dei Santi. Il piviale è completamente coperto da una serie di motivi geometrici e le singole figure sono definite con la tecnica chiamata stem stitch, utilizzata solitamente per fare i contorni e nervature. Alcuni punti del ricamo sono consumati, lasciando scoperto il tessuto di base. Lo sfondo del piviale è riempito con il colore verde con la tecnica del brick stitch. Oggi il reperto si trova presso Victoria and Albert Museum di Londra.

Figure danzanti
Figure danzanti del XIV secolo fu ricamato con la tecnica del doppio brick stitch e probabilmente era originario della cattedrale di Halberstadt (Germania). I materiali utilizzati sono il tessuto di lino a trama uniforme e fili di seta colorati, tuttavia non è possibile ricostruire con precisione i colori utilizzati poiché il reperto è stato danneggiato. Il disegno ricamato è sbiadito e mancano alcune porzioni, motivo per il quale per riempire le lacune sono state confrontate le diverse figure deteriorate. Gli unici colori sopravvissuti sono il verde e il blu, anche se Mitchell suppone l’esistenza anche di altri colori come il bianco e il marrone chiaro. Restaurato, il ricamo mostra una scena pacifica nella quale delle figure femminili, che indossano copricapi, danzano con le mani intrecciate tenendo dei fiori in alto, mentre ai loro piedi ci sono dei cani che si impennano e saltellano.

Parte di una stola o manipolo
Parte di una stola o manipolo del XIV secolo, probabilmente originario della cattedrale di Halberstadt è un reperto molto appariscente per via dei colori utilizzati: rosso brillante, giallo e verde. Probabilmente fu pensato come parte di un capo di abbigliamento religioso, forse una stola o un manipolo. Attaccato all’estremità della striscia ricamata, c’è un pannello decorato con nappe ricamate con la tecnica stem stitch per risaltarle. La tecnica di ricamo utilizzata per il resto del ricamo è il doppio brick stitch. Oggi il reperto si trova presso Victoria and Albert Museum di Londra.

Frammento fasciato
Frammento fasciato del XIV secolo fu ricamato con la tecnica brick stitch e satin stitch. Il materiale utilizzato per la realizzazione sono il lino e i fili di seta colorati di bianco, blu e marrone chiaro. I motivi geometrici sono disposti in un motivo a zig-zag e lo sfondo è distinto utilizzando un punto più corto per riempirlo. Gli altri motivi sono dello stesso colore dello sfondo, ma ricamati con dei punti più lunghi per metterli in risalto. È ancora ignoto l’utilizzo di questa decorazione. Il tessuto è il lino e i fili di seta colorati di bianco, blu e marrone chiaro. Oggi il reperto si trova presso Victoria and Albert Museum di Londra.